ATLAS

In girum nocte imus et consumimur igni

2011-10-14T14:43:06+02:00

Ars brevis, tabula longa 1

Les visiteurs successifs de la Biennale de Venise ont photographié «Untitled. 2011» de Urs Fischer. (D'autres bonnes photos ici: http://www.designboom.com )

Une reproduction en cire de «L'Enlèvement des Sabines» de Giovanni Bologna se consume dans les travées gigantesques de l'Arsenale, sous le regard impavide d'un personnage qui fond lui aussi. C'est Rudi, Rudolph Stingel, artiste tyrolien et new-yorkais, dans une posture assurée et absente — il a les yeux fermés, les mains dans les poches —, la chemise ouverte sans cravate, le veston de velours, les lunettes relevées sur le front, le sourcil abondant, la mine sérieuse. Il est posté face à la monumentale sculpture maniériste, clairement en résonance avec elle, mais seulement au sens où celle-ci disparaît. Rudi n'est pas concerné par les enjeux de la sculpture elle-même, son brio, sa tension érotique, sa violence, il participe intimement à sa seule disparition — en disparaissant lui aussi.

De même que «L'Enlèvement des Sabines» apparaît comme une sorte d'archétype de la grande sculpture occidentale, du vieil art farci d'idéalisme grec et de virilité romaine, Rudi incarne le prototype d'un Bartleby 2 du nouvel art contemporain. Pour ce Bartleby, qu'il soit artiste, curateur, touriste ou collectionneur, l'art est bref; il ne dure qu'une saison vénitienne, et la vie est longue quand elle n'a ni début ni fin. La monumentalité, l'héroïsme, le sexe, le pouvoir, la violence, sont les ressorts du vieil art, qui tire sa force de son commerce avec les origines et avec la mort; le nouvel art bartlebyen préfère ne pas finir et ne commence donc pas.

J'ai trouvé certaines images accompagnant cet article sur le site dédié à l'art contemporain en Suisse «ars brevis vita longa»3. Ce titre, qui renverse le célèbre fragment d'Hippocrate «Ars longa, vita brevis», pourrait bien énoncer le programme du nouvel art bartlebyen qui est aussi à l'œuvre dans l'installation d'Urs Fischer. Pour avancer il faut d'abord relire la phrase d'Hippocrate, qui est sujette à des montagnes de contre-sens. Il n'a jamais été question de dire que l'art est plus durable que la vie. vie. La traduction de Baudelaire apporte ici un éclairage légèrement décalé en proposant: «L'art est long, le temps est court», c'est-à-dire que nos limites ne nous permettront pas de faire le tour de la question, que notre temporalité (origine et mort) limite notre expérience des limites. «Ars longa, vita brevis» sous-entend qu'il y a quelque chose à acquérir (et donc à perdre), et que ce quelque chose ne s'acquiert que dans ses bords extrêmes: dans une origine et une fin, dans une inauguration et un achèvement. La phrase renversée, «Ars brevis, vita longa», stipule que rien ne déborde la vie, puisqu'elle n'a pas de limite («longa» est indéterminé), sans commencement ni fin, elle est infinie, et l'«ars brevis» s'y inscrit comme un phénomène qu'on observe, où comme un spectacle auquel on assiste.

Ce spectacle, c'est, dans le cas de l'installation sans titre de Fischer, la disparition. La disparition est un spectacle étrange, puisqu'on ne le perçoit que quand il n'a plus rien à percevoir. Pas d'inauguration ni d'achèvement. C'est un pur processus auquel on ne peut trouver ni début (avant de commencer, il n'est qu'une promesse) ni de fin (une fois achevé, il n'est qu'un souvenir). C'est ainsi que «L'Enlèvement des Sabines» s'expose face à ce personnage médian (médiateur, médiatique) qui disparaît avec lui, qui n'est ni à l'origine de l'œuvre (ici ce seraient Jean de Bologne et les artisans et techniciens qui ont réalisé la copie en cire), ni à la fin de celle-ci (à savoir le commanditaire, le collectionneur, l'acheteur, puisqu'il n'y a rien à acheter ou à conserver qu'un monticule de cire et de supports en métal à l'heure qu'il est).

La sculpture de Bologna a été inaugurée, elle, en 1579 peut-être. On imagine la cérémonie: fanfare et tomber de rideau. Elle n'était pas là avant, elle est depuis, et peut disparaître d'un moment à l'autre. La pièce d'Urs Fischer n'a pas pu être inaugurée, puisque sa complète réalisation coïncide avec sa disparition. Elle ne disparaîtra donc jamais. Elle est, d'ores-et-déjà, une archive. Celle réalisée par les visiteurs successifs de l'Arsenale, à Venise en 2011.

Notes:
1 Le titre est une tentative de traduire en latin (merci lexilogos) la phrase suivante: l'art est bref, l'archive est longue.
2 J'associe Bartleby à l'artiste contemporain en référence à Jean-Yves Jouannais dont le livre «Artistes sans œuvres» est sous titré «I would prefer not to», qui est la formule de Bartleby dans la nouvelle de Melville, largement commentée par ailleurs. L'art contemporain est bartlebyen au sens qu'il est sans œuvre, c'est-à-dire que son œuvre n'a pas d'objet spécifique mais se décrit dans une attitude générale, une posture.
3 http://arsbrevisvitalonga.com/

Pop compilation I (Fabiola Cloaca)

2011-08-22T22:21:49+02:00

Francis Alÿs présente sa collection de portraits de Sainte Fabiola dans la cossue «Haus zum Kirschgarten» du Musée Historique de Bâle, dans une exposition proposée hors ses murs par le Schaulager.

Passé l'entrée, on est conduit dans le jardin intérieur, où un petit pavillon présente une première série de 67 Fabiolas. Huiles sur toiles, formats standardisés: S et XS (20P et 15P) et programme iconographique ultra-réduit: sur un fond verdâtre, un voile rouge (plus romain que monacal) forme un pli vulvaire dans l'axe de symétrie vertical du tableau; en dessous, un profil féminin découpé à la scie sauteuse, sourcil levé, regard lointain; frange, joues rouges, lèvres closes: supérieure en général fine et inférieure pulpeuse; menton galbé comme une fesse.

300 peintures sont ensuite visibles, réparties dans tous les coins du musées, vaguement classés par techniques: broderies, émaux, miniatures, grands formats. On comprend que la récolte de Francis Alÿs est de longue haleine, qu'il a probablement écumé marchés aux puces, vide-greniers et brocantes pendant des années.

Fabiola en feutre et boderie (merci à Luc et Sandro)

Fabiola (dont je n'ai jamais entendu parler) est visiblement une sainte populaire, star sexy et spirituelle, et son image a été produite à la chaîne au 20e siècle (quelques dates relevées: 1949, 1990, 1975, 1948) par une foultitude de peintres plus ou moins habiles (Aneker, V. Ch., Desmet A., Lulu, Francis Huys) et d'après un modèle unique. Je découvre le nom de l'auteur du prototype grâce à J. Verulpens (?) qui a l'élégance de citer sa source et qui note «d'après Henner».

La fortune du «modèle» créé par Henner (dont j'apprends par le catalogue qu'il a été peint en 1885 et qu'il a disparu en 1912) et sa répétition (toujours manuelle, pas de procédés de reproduction technique ici) provoque une sorte d'hallucination. Les raisons de son succès ne sont pas mystérieuses: Henner a parfaitement réussi son coup. Sa Fabiola irradie de sensualité puritaine, agrégeant la statuaire d'un Dante «apaisé» à l'imagerie d'Epinal d'un Petit Chaperon Rouge pubère (qui fait d'ailleurs les beaux jours de la publicité dans nos vallées télévisuelles). Elle possède l'aura standardisée d'une princesse bollywoodienne et l'obscénité de l'Origine du monde de Courbet. La force de frappe visuelle d'une ombre découpée et la tendreté d'un macaron parfumé à l'eau de fleur d'oranger.

Le geste de Francis Alÿs est lui plus étrange. A quoi sa collection sert-elle? Ou pour être plus précis: que signifie l'exposition de sa collection? Elle a toutes les caractéristiques d'un geste artistique: programme, sérialité, compilation, archivage, critique et ludicité. La notion d'auteur et d'œuvre est évacuée: il ne s'agit pas de décider qui a fait la plus belle Fabiola, ni qui a eu le plus d'inventio dans son exécution. Les différences entres les peintures sont des «variables», dues à l'habileté relative de l'auteur, à sa proximité avec l'«original» perdu (a-t-il une bonne reproduction? fait-il une copie de copie?). Il y a autant des croûtes bâclées à la va-vite que de joli morceaux de peinture (rares tout-de-même), mais la question n'est bien sûr pas là. Alors quid?

Ces Fabiolas ont été faites et sont collectées pour leur valeur d'échange et d'usage: elles remplissent les conditions pour servir d'icône populaire et petite bourgeoise autant du point de vue technique (c'est fait à la main, donc unique, mais c'est pas cher car en général très vite fait) que du point de vue iconographique (Fabiola est une sorte de Hausfrau inspirée, une matrone consolatrice et une infirmière: un modèle d'épouse et de «femme d'intérieur»). Son portrait n'est pas un objet de dévotion, ni de méditation, mais un modèle (un patron) auquel sont comparées les filles et femmes de la maisonnée.

Il s'agit ici de commerce et de normes (de politique domestique). Une collection de billets de banque périmés ou provenant d'un pays qui n'existe plus. Avec une couche de sentimentalisme bien régressif. On pense bien sûr aux icônes standardisées que sont les Marylins ou les Dollars Bills de Wahrol, sauf les Fabola sont reproduites non pas par les sérigraphes de la Factory, mais par des centaines de tâcherons éparpillés à travers le monde.

Que signifie l'exposition de cette collection dans un lieu «culturel»? Elle me donne un choix: soit de critiquer la norme (ce qui me met dans une position paternaliste face à la consommation d'une icône populaire dont je déjoue les mécanismes d'oppression avec la satisfaction de l'élite) soit de valoriser les écarts à la norme (ce qui m'amène à regarder ces peintures comme des assiettes «peintes à la main», à repérer les maladresses et les ratés, bref à opérer un «contrôle-qualité», avec comme filtre: «ça passe» ou «comme c'est mignon, il s'est donné de la peine»).

En exposant ces 367 peintures, Alÿs opère une mise-à-nu particulièrement violente (lucide) de 367 gestes picturaux qui ne valent que par leur soumission à une règle (que le spectateur est mis en situation de critiquer) et par l'artisanat qu'ils démontrent (devant lequel le spectateur est mis en situation de s'attendrir). Eh oui, ça n'est que ça, la peinture (car si cette exposition parle d'imagerie populaire, de collection, de compilation, de politique iconographique, elle parle AUSSI de peinture): de faux billets maladroitement imités, de pauvres étrons humblement sculptés par des boyaux soumis au besoin primaire.

Jean-Yves Jouannais, L' Encyclopédie des guerres 26

2011-06-29T12:21:17+02:00

Jeudi 16 juin 2011, Feux. 27e conférence-performance (+)

Il y a un bug

Jean-Yves Jouannais, L' Encyclopédie des guerres 27

Marginal royaume

2011-06-15T08:41:28+02:00

Deux mots. Deux mots ont surgi du livre et m'ont fait gamberger tout le lundi de Pentecôte. Le livre, c'est le catalogue de l'exposition TERRITOIRES, livraison 2011 de la triennale de la sculpture Bex & Arts.

Le premier mot: marginalité. Il est utilisé pour définir le travail de Valentin Carron, Archaïque cercle fade, et indique que l'artiste a proposé une chose quasiment invisible, d'une portée assez secondaire dans l'ensemble de son œuvre, et pour tout dire qu'il s'est contenté du service minimum pour l'occasion. Or cette marginalité, si elle est relevée dans le texte qui commente la proposition de Carron, est subtilement ramenée au cœur d'un dispositif critique, qui montre que ce qui pouvait passer pour un refus d'obstacle est en fait un évitement assumé: «La marginalité du travail de l'artiste peut être lue comme une manière de dire que le thème de la patrie, du chez soi, ne peut justement pas être traité chez soi.»

Cette formidable lecture de la marginalité montre deux choses. D'abord que refuser l'œuvre peut faire œuvre. C'est la leçon d'Œdipe: l'initiation par le sang est contournée et le Sphynx est défié avec des mots. Ainsi commence l'errance sublime du «non-dupe» , qui n'a pas de «chez soi», qui n'a pas de nom et qui fait art du refus, art des marges, art du non: cet art bartlebyen (l'adjectif existe, j'ai vérifié), qu'on appelle art contemporain, et qui serait donc un non-art. (Ainsi, à propos de Perros, Maxime Caron peut-il avancer que «la marge que ménagent ses écrits (prose, poèmes et lettres à ses amis) suggère pour ainsi dire une certaine pratique de la non-littérature. —Je me suis fait un non!»). Le fait que que Carron «joue un jeu ambivalent, entre affirmation et refus, avec l'iconographie de son environnement, marquée par la rusticité et le folklore, [et qu'il] pousse souvent à l'extrême l'aspect viril et patrimonial de la sculpture traditionnelle» (texte du catalogue), n'est évidemment pas indifférent ici. Pour Carron, comme pour l'enfant du conte d'Anderson, le roi (c'est-à-dire le viril et le patrimonial) est nu, et il est grotesque, c'est entendu. Mais cet enfant qui se sépare, par son dire, innocemment et sans douleur, des adultes, et de son père, ne se rencontre que dans les contes justement. Pour l'enfant du mythe, plus proche de la vérité psychique, la séparation se fait aussi avec une «parole admirable» mais s'achève dans un massacre. Pour l'enfant «réel», elle se fait dans la douleur et dans le silence (voir Anne Le Bihan). Par son travail non-artistique, Carron joue le jeu de l'enfant non-dupe fantasmé dans une remise en scène de la procession royale. Le classique «un enfant en ferait autant!» adressé à l'art contemporain serait donc vrai du point de vue du conte et du mythe, mais faux du point de vue de la vie psychique enfantine, et il faudra au contraire un courage immense pour rejouer cette scène et d'en assumer la douleur. Deuxième observation: la qualité d'écoute (j'allais dire bienveillante) du commentateur. En tant que promeneur lambda de l'exposition, je n'ai pas lu l'anneau de bronze peint et fiché dans le mur par Carron. Sa marginalité, qui justement aurait dû me faire dresser l'oreille, m'a au contraire berné. Pris en flagrant délit d'inattention. Ce souci de lecture de la non-œuvre est moelleux comme un macaron. Autant le grand art aura suscité de commentaires inutiles, autant le non-art bartlebyen promet des séances d'analyses fructueuses. Pas de discours ex-cathedra, pas de gloses savantes, mais une véritable lecture confraternelle.

Le second mot est: royaume. C'est quasiment le dernier mot du catalogue, il est signé Patrick Vincent, et il apparaît dans la phrase suivante: «(…) l'exposition Bex & Arts nous donne l'espoir que nous saurons un jour partager la vision du jeune John Ruskin, et transfigurer notre territoire en royaume.» Patrick Vincent n'est pas un spécialiste de l'art contemporain, mais de littérature anglaise et en particulier dans ses rapports avec les Alpes. Ceci explique le ton «étrange» de sa conclusion dans un contexte où, nous l'avons vu, le royaume est tous sauf désirable désormais. Quelle différence y a-t-il entre le territoire et le royaume? Je hasarderai ceci: le territoire ne connait pas d'autorité, c'est un royaume sans roi. Territoire gardé par le sphynx et dont le roi est sur les routes. Dans l'ancien art, dans le royaume, nous étions face à une puissance (royale, paternelle, patriotique), dans le nouvel art, dans le territoire, nous sommes dans une fraternité sans père. Je nomme cet art, communément appelé contemporain: art bartlebyen, art célibataire (pour être franchement duchampien) ou art démocratique. Alors, décrire quelques une des œuvres installées dans le Parc pour cette expostion sous cet aspect: le «Monument?» de Daniel Berset présente une grande plaque qui ne porte pas de nom sur un socle au sommet duquel tout le monde peut s'asseoir et se faire photographier. Le «Totem» de Maya Bringolf ne montre pas des esprits protecteurs ou des divinités animales, mais une coulée de fantômes qui se fondent les uns dans les autres et n'ont aucun signe particulier. La «Dupplication 6» de Beat Lippert reproduit les tombes de la famille Szillassy, les privant de leur individualité jusque dans leur dernière demeure. Katja Schenker («Manchmal»), transforme les spectateurs de son abreuvoir en vaches assoifées d'un monolythe suintant, Geneviève Favre nous transporte à la porte d'un tombeau-matrice où battent les neufs cœurs de neufs erinyes aliens, et, finalement, Valentin Carron, nous laisse avec un anneau «archaïque et fade» où attacher la longe qui nous mène, troupeau démocratique de fantômes ruminants et couronnés de pacotille. Et le reste explose en particules, molécules, cristaux, pixels. Quoi de plus démocratique que la molécule? Si nous sommes égaux devant la mort, nous le sommes aussi devant la chimie: Dans le «Monopoly» de Gerda Steiner et Jörg Lenzlinger, dans l'horloge salée de Stefan Burger et dans la «Concrétion des frères Chapuisat, le temps cristallise tout.

Vous rêviez d'une transfiguration, cher John Ruskin? Le voici, le marginal royaume, le jardin de l'harmonie modérée…

Michael Rampa

2011-04-28T01:51:45+02:00

«…il possède, ce civilisé édennique, au-dessus d'autre bien, l'élément de félicités, une doctrine en même temps qu'une contrée.»

Francesca, 2011, mural 360x320cm

GRANDVILLE (Jean Ignace Isidore GÉRARD, 1803-1847), In Aventures de Robinson Crusoe, Fournier Editeur, Paris, 1811.

Paul et Virginie (1787), gouache de Guinet, musée d'Histoire nationale de Mahébourg.

Peter Doig, chez lui à Trinidad, surplombant Cyril's Bay.

La peinture d'histoire qui n'en a pas à raconter — tous les Napoléons s'étant intériorisés et aucun qui ne s'aventure à conquérir longitudes, lattitudes et langues — montre le paradis reconquis par le lettré. Cézanne a commencé avec ses grandes Baigneuses, codées comme un alphabet selons les postures de son désir, après que le Roman y avait déjà envoyé le despote civilisateur et écrivain Robinson, puis Paul et Virginie qui n'en finirent pas de s'écrire, Tarzan qui apprend l'anglais seul en utilisant les livres d'images qu'avaient emportés ses parents.

Jetsam, 2011, oil on canvas, 200x300cm

Makom, 2011 oil on canvas, 200x160cm

Rift, 2011, oil on canvas, 170x200cm

Zanzi, 2011, oil on canvas, 132x160cm

L'Egypte chez l'autre

2011-04-25T19:41:19+02:00

Le douanier Rousseau à Picasso: "Nous sommes les deux plus grands peintres de l'époque, toi dans le genre égyptien, moi dans le genre moderne."

Peter Sloterdijk: «Derrida, un Egyptien»

Philip Guston: «[Roberto Longhi] says a wonderful thing about Piero [Della Francesca]. He says he doesn't belong in the Renaissance. He says there's something Egyptian about him. And I liked that word. There is something Egyptian about him.»

Voir l'Egyptien chez l'autre semble aussi courant que de voir Moïse en soi-même. L'Egyptien, c'est l'autre.

234

2011-04-17T10:21:17+02:00

“As a songwriter, I liked the rythm and the sound of ‘Picasso, my master’, and the mild hint of provocation in it”.
Rodney Graham, interview with Nikola Dietrich, in Little Theater of Gestures, Kunstmuseum Basel, Museum für Gegenwartskunst, Hatje Kantz, 2010

L'Encyclopédie des guerres de Jean-Yves Jouannais

2011-06-06T00:41:55+02:00

Je cherche à réunir le cycle des conférences de l'Encyclopédie des guerres de Jean-Yves Jouannais. Le désordre est total sur la page Dailymotion du Centre Pompidou, et l'ensemble (si toutefois il est disponible) est très difficile à retrouver. Je suis preneur de toute trouvaille supplémentaire…

Jeudi 25 Septembre 2008, de Abimé à Automobile. 1e conférence-performance

Jeudi 9 Octobre 2008, de Baïonnette à Bonté. 2e conférence-performance

Jeudi 6 Novembre 2008, de Bibliomanie à Camouflage. 3e conférence-performance

Jeudi 11 Décembre 2008, de Canon à Cartes. 4e conférence-performance

Jean-Yves Jouannais, L'Encyclopédie des guerres 4

Jeudi 22 Janvier 2009, de Charge à Chien. 5e conférence-performance

Jean-Yves Jouannais, L'Encyclopédie des guerres 5

Jeudi 12 Février 2009, de Choir à Climatologie. 6e conférence-performance

Jean-Yves Jouannais, L'Encyclopédie des guerres 6

Jeudi 26 Mars 2009, de Classes (guerre des) à Corps (esprit de). 7e conférence-performance

Jeudi 16 Avril 2009, de Coquetterie à Décoratif (Motif). 8e conférence-performance

Jeudi 14 Mai 2009, de Dandysme à Désir. 9e conférence-performance

Jeudi 18 Juin 2009, de Décoration à Etoile. 10e conférence-performance (+ Costume de bain)

Jean-Yves Jouannais, L'Encyclopédie des Guerrres 10

Jeudi 15 Octobre 2009, de Dick, Philip K. à Dru. 11e conférence-performance

Jeudi 10 Décembre 2009, de Foutre à Furie. 12e conférence-performance

Jeudi 28 Janvier 2010, de Dent à Dru. 14e conférence-performance (+ Abeilles, Bouillie, Boum, Branlée, Camping)

Jean-Yves Jouannais, L'Encyclopédie des guerres 14

Jeudi 18 Février 2010, de ? à ?. 15e conférence-performance

Jeudi 11 Mars 2010, de Eléphant à Embêter. 16e conférence-performance

Jean-Yves Jouannais, L'Encyclopédie des guerres 16

Jeudi 15 Avril 2010, de Enjamber à Enfonçade/Enfonçage. 17e conférence-performance

Jean-Yves Jouannais, L'Encyclopédie des guerres 17

Jeudi 20 Mai 2010, Ennemi. 18e conférence-performance

Jean-Yves Jouannais, L'Encyclopédie des guerres 18

Jeudi 28 Octobre 2010 19:00 Jean-Yves Jouannais De l'entrée "Fait (Bien)" à l'entrée "Femme", en passant par "Fanfare", "Farine"

Jeudi 25 Novembre 2010 19:00 Jean-Yves Jouannais La 19e séance s'était achevée avec les entrées "Epicerie" et "Epitaphe"

Jeudi 9 Décembre 2010 19:00 Jean-Yves Jouannais De l'entrée "Fleur" à l'entrée "Forteresse", en passant par "Fonderie", "Forêt"…

Jeudi 13 Janvier 2011 de Exécution à explosion (au repos) 22e conférence-performance (+ abeilles, abracadabra)

Jean-Yves Jouannais, L' Encyclopédie des guerres 22

Jeudi 10 février 2011, de Fanion à Faux. 23e conférence-performance (+ Abeilles, Boucherie)

Jean-Yves Jouannais, L' Encyclopédie des guerres 23

Jeudi 12 mai 2011, de Femme à Fennec (semence de). 26e conférence-performance (+ blague, épée)

Jean-Yves Jouannais, L' Encyclopédie des guerres 26

Seven of hearts

2011-03-17T19:28:41+01:00

Midwood, Thomas Claude Wade Playing cards - 7 of hearts. Drawn by Thomas Claude Wade Midwood, Hobart, Tasmania, 1854-1912.

Seven of cups II

2011-03-17T19:20:35+01:00

The cups contents symbolize our choices, the bust love (artères), the snake wisdom (le diable), castle for security (un creux), jewels for wealth (outillage), a dragon for fear (fiction) and the wreath victory (rubato). The central cup contains a figure shrouded in white, the color of purity, this symbolizes an unknown wish made with a pure heart (autre chose).

Seven of cups

2011-03-17T19:14:00+01:00

Willac ©

Sept coupes

2011-03-17T19:09:34+01:00

Les 7 coupes de France remportées de 1982 à 2006

Les sept coupes

2011-03-17T19:02:38+01:00

Apocalypse 16:1

Et j’entendis une voix qui, du temple, criait aux sept Anges: « Allez, répandez sur la terre les sept coupes de la colère de Dieu ».

Coupe 1 : répandue sur la terre et concerne ceux qui portent la marque de la Bête. Cat. Le diable

Coupe 2 : répandue dans la mer. Cat. un creux

Coupe 3 : répandue dans les fleuves et les sources. Cat. Artères

Coupe 4 : répandue sur le soleil. Cat. Autre choses

Coupe 5 : répandue sur le trône de la Bête. Cat. outillage

Coupe 6 : répandue sur le fleuve Euphrate. Cat. Fiction

Coupe 7 : répandue dans l’air. Cat. Rubato

Le sept de cœur

2011-03-17T18:58:22+01:00

Le sept de coupe

2011-02-20T23:37:11+01:00

L'affiche de l'exposition «Mode de vie, une bibliothèque», comparée à une lame mineure du Tarot de Marseille, le sept de coupe.

Nouveau blog

2011-01-08T15:28:49+01:00

J'ai décidé de lancer cette année un nouveau blog. En tant qu'utilisateur, je me suis rendu compte que mes blogs préférés étaient en général centrés sur un seul thème voire carrément monomaniques, et j'ai donc commencé Picassovignettes, qui, comme son nom l'indique, sera consacré à recenser les vignettes à propos de Picasso de toute provenances (littéraires, journalistiques, iconographiques, populaires ou érudites) et d’y mêler les miennes.

J'ai un ou deux articles encore en stock pour ATLAS, mais peu de temps pour les mettre en forme. Picassovignette misera plutôt sur la régularité de parution que sur une longue élaboration de chaque entrée. Ce que ça donnera? Point ne sais encore…

Mots mergents

2010-10-17T10:49:02+02:00

J'apprends à l'instant que Jean Valjean était le maire de Montreuil-sur-Mer.

JEAN MER MONTREUIL MONTREUIL
________ X ______________ = _____________ = MONTRE ŒIL / VAL

VAL JEAN MER VAL